Os 10 melhores compositores ingleses 2023

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O que posso fazer para resolver isso?

Em 2010, o vencedor do prêmio Multi-Platinum Grammy e o Artista do Hip Hop. . M revelou que ele sofre de zumbido - um toque constante nos ouvidos, e que os médicos disseram que ele acabará por perder sua audição.

im 43. Quando fui ao médico e recebi um teste de ouvido, eles disseram, seus ouvidos são os de alguém muito mais velho. Vai. . m disse em uma entrevista. Em 2007, 2013 e este ano, recebi todos os meus testes de frequência e a curva ... sua perda adequada.

Grimes.

Nascido com uma profunda perda auditiva, Matt Maxey é o fundador da droga surdo. Hes também uma língua de sinais americana (ASL) que se juntou ao Grammy-Winning chance o rapper em sua turnê ser encorajado em 2017. ly: Eu sempre senti como se fosse surdo para o mundo auditivo, mas também ouvindo para o mundo surdo , Maxey disse. Eu acho que minha situação é especialmente diferente de crescer em um mundo auditivo, mas sempre trabalhando mais 10 vezes mais difícil de ouvir com aparelhos auditivos e tentar ler o que todo mundo está dizendo, sabendo que eu não posso ouvir tudo ainda fingir que poderia. Se fosse um ambiente de grupo, esqueça disso.

Quando Maxey interpreta para artistas como acaso o rapper ou D.. . ., não é padrão palavra-para-palavra asl. Um exemplo Maxey usa é o termo aparecer. Dizendo que em conversa é muito diferente de gritar de um palco na música.

Eu posso ter mais um impacto indo a rota não convencional com alguém como o acaso e ir para as áreas que ninguém surdo foi capaz de chegar antes, disse Maxey. Tudo leva a algo que melhora a comunidade.

Dame Evelynn Glennie

O percussionista escocês Dame Evelynn Glennie foi profundamente surdo desde que ela tinha 12 anos. Ela teve uma longa e bem sucedida carreira como músico e colaborou com artistas, incluindo Björk, Bobby McFerrin e Mark Knopfler.

ludwig van beethoven

Em seus 30 anos, Beethoven escreveu a um amigo, nos últimos três anos, minha audição cresceu constantemente mais fraca. Eu posso te dar uma idéia dessa surdez peculiar quando devo dizer a você que no teatro eu tenho que chegar muito perto da orquestra para entender os artistas, e que à distância eu não ouço as altas notas dos instrumentos e Vozes de cantores. Às vezes também ouço as pessoas que falam suavemente. O som que posso ouvir é verdade, mas não as palavras. E, no entanto, se alguém grita, eu não posso suportar isso.

Beethoven, como muitos morando nos anos 1700, tinham muitas doenças e tratamento médico pobre, e há consenso limitado em torno da causa exata de sua perda auditiva. Alguns especulam que foi devido a doença ou lesão do ouvido interno, outros sugerem intoxicação por chumbo.

Beethoven ainda tentou realizar e conduzir muito depois de muitos pensaram que deveria. De fato, quando sua nona sinfonia estreou, Beethoven insistiu em conduzir. No entanto, a orquestra sabia que não estava na condição de conduzir e contratou outro condutor para ficar ao lado de Beethoven. Os músicos foram informados a ignorar as direções de Beethovens.

Enquanto as performances públicas de beethovens diminuíram até pararem, ele continuou a compor até que ele morreu em meados dos anos 50. Beethovens Housekeepers lembrou que, como sua audição piorou, ele se sentaria no piano, colocaria um lápis em sua boca, tocando o outro lado dele para a placa de som do instrumento, para sentir a vibração da nota.

Ayumi hamasaki

ï¿½dmphonies para Ópera, mudanças emocionantes estavam ocorrendo no mundo da música clássica durante um período de 80 anos (1820-1900), como compositores começaram a quebrar as regras e fundamentos da composição clássica estabelecida pelos compositores de período clássico que vieram antes deles.

Novas idéias musicais abundadas. Houve uma grande onda de compositores, cada um com sua própria visão única e estilo composicional. A música tornou-se mais pessoal, pois os compositores começaram a expressar seus sentimentos e emoções com o uso de harmonias não tradicionais, instrumentos improváveis e até orquestras ainda maiores do que a vida (e. ., Mahlers Symphony de mil, que contou com mais de 1.000 instrumentistas e cantores em sua estreia americana em 1916).

Frederic Chopin

Frederic Chopin, nascido Fryderyk Franciszek Chopin, era um pianista polonês e compositor conhecido por suas peças escritas para o piano. Ele se especializou nos gêneros: Etude, Mazurka, Nocturne, Waltz e Polonais.

Muitas de suas peças foram influenciadas por músicas folclóricas polonesas, e seu tema nacionalista alinhado com características do romantismo. Todas as suas composições incluem o piano, mas a maioria deles foi escrita exclusivamente para piano solo, que incluía sonatas, Mazurkas, Waltzes, Nocturnes, Polonais, Etudes, Improvis, Scherzos e Preludes. Obras Opulares: Waltz em D-Flat Major, op. 64, No. 1 (Minuto Waltz), Marche Funebre, Etude em C Major, op. 10 e etude em C menor op. 0 (revolucionário)

fanny mendelssohn hensel

Fanny Mendelssohn Hensel era um pianista e compositor romântico alemão. Muitas de suas músicas foram publicadas sob o nome de seu irmão, Felix Mendelssohn, devido a atitudes sexistas do tempo. Felix também era um compositor de música. Em vez de irmão de rivalidade, os dois trabalharam juntos ao fornecer críticas construtivas nos trabalhos um do outro.

Franz Joseph Liszt Ly: compositor húngaro e pianista, Franz Liszt é indiscutivelmente um dos maiores jogadores de piano para já viver. Ele fazia parte da nova escola alemã e se tornou sua principal figura. Ele é bem conhecido por muitas coisas, incluindo sua capacidade de transcrever trabalhos orquestrais principais para piano e torná-los amplamente populares, a invenção do poema sinfônico (usando uma sinfonia para contar uma história, descrever uma paisagem, ou representar qualquer ideia não musical ) e progredindo transformação temática (essencialmente, a evolução de um tema por meio de variação). Liszt também foi conhecido como filantropo e autor.

Liszt era conhecido por suas performances apaixonadas, que incluíam gestos dramáticos, expressões faciais intensas e adicionando seu próprio estilo a peças. Sua improvisação e performances emocionais o tornaram um verdadeiro músico do período romântico. Obras populares: Rhapodies húngaros, Années de Pèlerinage e Liebestraum No. 3 em um grande plano

Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi era um compositor italiano conhecido por suas óperas, incluindo Jérusalém, Rigoletto, Aida e muito mais. A capacidade de sua ópera de penetrar na psique e evocar a emoção intensa lhe classifica entre os compositores românticos mais conhecidos.

alguns dos estilos musicais verdes são tão distintivos, muitos compositores e presentes - nunca os usariam. É como se ele possuísse os direitos autorais. Verdi elevado Ópera italiana, trabalhando nas fundações estabelecidas por Bellini e Donizetti. Ao contrário de outros compositores, Verdi sabia bem seus próprios talentos e habilidades. Ele trabalharia de perto com seus libretistas para garantir que todos os detalhes supérfluos fossem omitidos, tirando a história até seus componentes básicos, mais relativos e compreensíveis. Isso permitiu que ele escrevesse sua música de uma maneira que mais eficientemente expressaria o significado das histórias.

Clara Wieck Schumann

Outro principal compositor feminino do período romântico foi Clara Wieck Schumann. Ela era um compositor alemão, pianista e performer prolífico. Começando aos 8 anos de idade, Clara começou a visitar diferentes cidades, e ela continuou a se apresentar há mais de 60 anos.

Antonin Dvorák

Antonin Dvorák foi um compositor checo que foi proficiente com o violino, voz, órgão, piano e teoria musical. Ele talvez fosse mais conhecido por sua capacidade de incorporar música folclórica em suas composições. Enquanto seus trabalhos anteriores enfatizavam o estilo germânico, ele já incorporou mais influências checas e eslavas em sua música.

Em 1892, Dvorák mudou-se para a América para trabalhar como diretor artístico do Conservatório Nacional de Música em Nova York. Sua nova Sinfonia Mundial foi escrita na América. Em sua carreira tardia, sua música e nome tornaram-se internacionalmente conhecidos, e ele ganhou muitas honras, prêmios e doutorado honorário.

Johannes Brahms

Corelli nasceu na Itália por mês após a morte de seu pai. Desde que sua família era próspera, ele e seus irmãos e irmãs eram bem educados. Arcangelo primeiro levou aulas de música de um padre local. Quando ele decidiu se tornar um violinista profissional, ele foi a Bolonha. Mais tarde, ele trabalhou em Roma, onde ele tinha vários patronos, incluindo um famoso romano, cardeal Pietro Otomoni. Ottoboni realizou concertos de segunda-feira regulares em seu palácio, para o qual visitando dignitários e músicos famosos foram convidados. Corelli era condutor nesses eventos e, como tal, todos os tipos de celebridades.

Em primeiro lugar, Arcangelo Corelli era violinista. Ele introduziu um novo estilo de jogo chamado cantabile, ou seja, cantar ou songlike, e ensinou toda uma geração de violinista-compositores, incluindo George Frederick Handel e Antonio Vivaldi. Suas próprias performances solo eram lendárias e ele excursionou pela Europa, surpreendentes suas audiências com o seu tom bonito.

Como compositor, Corelli é conhecido como o primeiro compositor a acabar totalmente com os antigos modos de igrejas e escrever apenas tonalidades grande menores. Ele escreveu a música quase exclusivamente para instrumentos de cordas, incluindo sonatas trio e sonatas para violino. Ele também é conhecido por sua coleção de concertos grossi, uma forma que ele desenvolveu e popularizou. Por causa dessas obras, foram possíveis os concertos de Vivaldi, Handel e Bach.

Agora chegamos a um dos mais significativos compositores do período da Renascença: Giovanni Pierluigi da Palestrina. Eu não quero dar a impressão de que Palestrina foi o único grande nome do final da Renascença, ele compartilha essa holofotes com pelo menos um outro compositor, Orlando di Lasso, que nós, infelizmente, o estudo não vai neste curso. Nós nos concentramos em Palestrina porque seu estilo de composição é considerado o epítome da polifonia renascentista e ainda é estudado por estudantes de música hoje.

Introdução

Giovanni Pierluigi da Palestrina (. C 1525-2 fevereiro 1594) foi um compositor italiano renascentista da música sacra eo representante do século 16 mais conhecido da Escola Romana de composição musical. Ele teve uma influência duradoura sobre o desenvolvimento da música na igreja, e seu trabalho tem sido muitas vezes visto como a culminação da polifonia renascentista.

Biografia

Palestrina nasceu na cidade de Palestrina, perto de Roma, então parte dos Estados Pontifícios. Documentos sugerem que ele visitou pela primeira vez em Roma em 1537, quando ele é listado como corista na basílica de Santa Maria Maggiore. Estudou com Robin Mallapert e Firmin Lebel. Ele passou a maior parte de sua carreira na cidade.

Palestrina veio de idade como um músico, sob a influência do estilo europeu do norte de polifonia, que devia sua posição dominante na Itália principalmente a dois compositores holandeses influentes, Guillaume Dufay e Josquin des Prez, que passara uma parte significativa de suas carreiras lá. a própria Itália ainda tinha que produzir qualquer um da fama comparável ou habilidade na polifonia.

De 1544-1551, Palestrina foi organista da catedral de St. Agapito, a igreja principal da sua cidade natal. Suas composições publicado pela primeira vez, um livro de missas, tinha feito tão favorável uma impressão com o Papa Júlio III (anteriormente o bispo de Palestrina), que em 1551 nomeou Palestrina maestro di cappella ou diretor musical da Cappella Giulia, (Julian Chapel, na senso de coral), o coro do capítulo dos cânones na Basílica de São Pedro. Este livro de missas foi a primeira de um compositor nativa, já que nos estados italianos do dia Palestrinas, a maioria dos compositores de música sacra eram da Baixa Países, França, Portugal ou Espanha. Na verdade, o livro foi modelado em um por Cristóbal de Morales: a xilogravura na frente é quase uma cópia exata de um do livro do compositor espanhol.

Durante a próxima década, Palestrina ocupou posições semelhantes à sua nomeação Julian Chapel em outras capelas e igrejas de Roma, nomeadamente São João de Latrão, (1555-1560, cargo ocupado anteriormente por Lassus) e Santa Maria Maior (1561- 1566). Em 1571 ele retornou ao Chapel Julian e manteve-se em St Peters para o resto de sua vida. A década de 1570 foi difícil para ele pessoalmente: ele perdeu seu irmão, dois de seus filhos, e sua esposa em três surtos separados da praga (1572, 1575, e 1580, respectivamente). Ele parece ter considerado tornar-se um sacerdote neste momento, mas em vez disso ele se casou novamente, desta vez para uma viúva rica. Este finalmente deu-lhe a independência financeira (ele não foi bem pago como maestro) e ele foi capaz de compor prolificamente até sua morte.

Ele morreu em Roma de pleurisia em 1594. Como era de costume, Palestrina foi enterrado no mesmo dia em que morreu, em um caixão simples, com uma placa de chumbo em que estava escrito Libera me Domine. Um salmo de cinco partes por três coros foi cantado no funeral.

Música e reputação

Palestrina deixou centenas de composições, incluindo massas 105, 68 Offertories, pelo menos 140 madrigales e mais do que 300 motets. Além disso, existem pelo menos 72 cantos, 35, 11 Magnificats litanies, e quatro ou cinco conjuntos de lamentos. A melodia Gloria de um Magnificat Palestrina é amplamente utilizado hoje no sintonia ressurreição hino, Vitória (A contenda é Oer).